Beck se deleita em majestade com a LA Phil no Hollywood Bowl: Crítica do concerto nwnews

Sou um ganhador — esse provavelmente foi o sentimento de todos que assistiram à apresentação de Beck com a LA Phil no sábado à noite. Representou uma apoteose do tipo de evento de pop-star-at-the-pops para o qual o Hollywood Bowl foi realmente feito, com Beck indo principalmente fora da marca como um artista ao vivo para enfatizar as partes mais lânguidas de seu catálogo para máxima sinergia sinfônica. Você pode ficar tentado a chamá-lo de uma noite “só em LA” se não soubesse que o show é um dos sete que Beck está fazendo com orquestras residentes em todo o país este mês, o que efetivamente fez da Filarmônica uma banda de captação para a ocasião. Compartilhar é OK; outras cidades e costas também merecem ganhar um pedaço desta vitória.

Ver Beck com uma orquestra parece mais inevitável do que seria com quase qualquer outra pessoa, mesmo que ele não tenha se dedicado muito como um artista de concerto anteriormente. Seu pai, David Campbell, é um dos arranjadores orquestrais mais famosos nos círculos do rock, muito além de seu trabalho com seu filho; uma rápida busca nos arquivos de resenhas da Variety nos lembra que Campbell fez os arranjos para a turnê orquestral do Who que passou pelo Bowl há cinco anos, e conduziu as cordas em um show da Dave Matthews Band no local no ano anterior, só para começar. Campbell não conduziu os cerca de 80 músicos na noite de sábado — essa honra pertenceu a Steven Reineke — mas sua presença foi sentida em arranjos que Beck disse terem sido amplamente retirados de partes gravadas que foram feitas para os álbuns gêmeos “Morning Phase” (2014) e “Sea Change” (2002) em particular. (Dizem também que o veterano Campbell supervisionou todos os novos arranjos que foram criados para esta turnê.) Colocar os holofotes na orquestração que Beck trabalhou com seu pai provavelmente é a coisa mais próxima que chegaremos de “harmonia de sangue” no mundo do rock orquestralmente aprimorado.

Há algum precedente limitado para Beck fazer isso: em 2008, ele dedicou a segunda metade de um set principal no Bowl a oito músicas que apresentavam David Campbell conduzindo a Hollywood Bowl Orchestra. O set de 20 músicas que Beck fez com a Phil neste fim de semana (sem contar um segmento de encore de três números sem orquestra) mais que dobrou a quantidade de tempo que ele era capaz de dedicar ao seu lado sinfônico em um show. Assim, foi fornecida a oportunidade de se deleitar com a metade do cérebro de Beck que, em qualquer turnê padrão, sempre será relegada ao reino da genealogia recessiva. Os pontos fortes do show de sábado sugeriram que essas coisas de rotação lenta podem até representar sua cara-metade; quase pareceu uma decepção, relativamente, quando ele jogou “Devil’s Haircut” e “Loser” no final do show como ossos para a multidão. (Ênfase no quase; não há queixas reais sobre sair com um estrondo.)

Pouco do material em que Beck estava focando poderia realmente ser chamado de comemorativo. Após o instrumental introdutório, “Cycle”, o primeiro número vocal do artista foi a faixa-título de “The Golden Age”, que foi a primeira introdução da maioria do público em geral à ideia de que Beck, como músico, poderia ser um cara depressivo. “Let the golden age begin”, ele cantou no primeiro verso, mas menos como uma promessa do que como uma tênue esperança de algum tipo de remédio para “mal conseguir(ter) sobrevivido”. Mas como um criador de cenário, então e agora, “The Golden Age” não foi e não é realmente um desânimo. Este e outros clássicos modernos de seus álbuns mais contemplativos tenderam a uma grandeza discreta que torna difícil separar a melancolia da majestade. E por que separá-los, como ouvinte? Ouvindo músicas como essa e “Round the Bend” no Bowl, você experimenta a emoção dessa qualidade arrebatadora, sem nunca saber bem o que está por vir na curva para onde você está sendo levado.

O subtítulo do show poderia ter sido “Summertime Sadness”, se já não estivesse escolhido. Se você gosta de abraçar essas emoções misturadas — a sensação de tédio de alguma forma misturada com uma sensação de admiração — então o pico inicial do setlist pode ser “Lonesome Tears”. É uma música que tem alguns spoilers emocionais bem fortes em seu título, mas há uma euforia estranhamente temperada em experimentar todo o clímax estendido da música, que no show fez Beck recuar para deixar a orquestra de 80 integrantes prosseguir em espirais; se estávamos subindo ou descendo, era difícil dizer.

As músicas mais tocantes do repertório orquestral de Beck tendem a começar com cordas e adicionar metais em um momento dramático do coro. Mas parte do material oferece prazeres mais simples sem essas dinâmicas dramáticas, especialmente quando Beck se mudou para um dialeto global específico. “Tropicalia”, uma faixa que remonta a “Mutations” de 1998, fez jus ao seu nome de inspiração brasileira, com “Missing”, de “Guero” de 2005, “uma que não tocamos com muita frequência”, também chegando naquela veia vagamente brasileira, perfeita para o que Beck chamou de “uma noite tropical” (no ameno-para-LA-após-o-crepúsculo de meados dos anos 70).

Da mesma forma, “We Live Again” não era nada além de bonita, mesmo que sua letra com tema de mortalidade possa ser considerada sombria. Beck contou uma história divertida sobre ser confrontado com a inspiração para essa música: “Quero dedicar esta a uma das minhas cantoras favoritas que faleceu há duas semanas, Francoise Hardy, uma grande cantora francesa. Eu a ouvia muito na época em que fiz ‘Mutations’. Eu a conheci em um programa de TV francês – ela me puxou de lado; ela não falava muito inglês – e ela disse, ‘Eu sei que você copiou minha música… Essa música, “We Live Again”, é minha música.’ Eu fico tipo, ‘Sim, é sua.’ Por muitos anos em turnê, eu colocava meus fones de ouvido no ônibus e ouvia seus discos. Ela era meu remédio.”

Beck havia indicado em entrevistas antes da mini-turnê que apenas a seção rítmica de sua banda acompanharia a orquestra durante a parte principal do set, com a banda completa esperando para entrar apenas nas últimas músicas. Isso acabou não sendo o caso, no final, já que o set principal encontrou todos os quatro membros da banda no palco — o guitarrista Jason Falkner, o tecladista Roger Joseph Manning Jr., o baterista Joey Waronker e o baixista Justin Meldal-Johnson. Mas eles sabiam como tocar de forma moderada; não havia nenhuma sensação da batalha literal das bandas que às vezes ouvimos no Bowl, quando a banda de turnê usual de um artista não foi ensinada a diminuir o volume para dar espaço para Dudey. (Perdoem o coloquialismo para Dudamel, ou seus substitutos de regência.) A única vez em que o conjunto de rock no palco à esquerda realmente arrasou foi durante “Paper Tiger”, que foi, talvez não por coincidência, a música que Beck escolheu para tocar na TV outro dia com sua banda e os 10 ou mais músicos de cordas que se encaixariam no palco sonoro do “Jimmy Kimmel Live”. Repetindo com o Phil completo no Bowl, Beck novamente fez com que começasse apenas com sua banda antes que o complemento completo se juntasse para o segundo verso — e ele novamente, como na aparição no talk-show, entregou as coisas para Falkner para alguns shreddings, colocando sua mão no ombro da guitarra durante o solo climático.

Quanto às músicas de seu catálogo que não exigiam um componente sinfônico completo, havia abordagens diferentes. “Blue Moon” usou as cordas apenas como uma cor, ou acréscimo, embora os harpistas da Phil estivessem em plena floração. Não havia muitas das músicas mais animadas de Beck espremidas no conjunto principal sinfônico, mas as exceções a essa regra eram divertidas — incluindo “New Pollution” de “Odelay”, que começou com uma fanfarra alegre, quase circense, e “Where It’s At”, onde a Phil finalmente deixou a banda assumir, mas adicionou acentos apropriadamente altos nos refrões.

Os erros foram, no máximo, pequenos. “Wave” sofreu um pouco com a reverberação no vocal de Beck sendo aumentada a ponto de soar como se ele estivesse cantando no banheiro mais cavernoso do mundo — nada demais, mas algo que fez sua performance parecer separada da orquestra em uma melodia que, de outra forma, seria linda. Enquanto isso, se houvesse apenas um número que pudesse ser cortado do conjunto, seria o cover mediano do Colourbox “Tarantula”, uma faixa repetitiva que ele cortou para a trilha sonora de “Roma”. Essa escolha não estava nem remotamente no mesmo nível das duas (conte-as) músicas de Scott Walker que ele fez um cover, “It’s Raining Today” e “Montague Terrace (in Blue)”, ou mesmo do corte da trilha sonora de “Eternal Sunshine”, “Everybody’s Got to Learn Sometime”, que também chegou ao nível de soar como um original da era “Sea Change”.

Exatamente às 10:30, Beck deu aos membros da orquestra sua licença, explicando que eles teriam que sair do relógio após 90 minutos. A partir daí, ele fez uma rotina de comédia explorando o palco repentinamente vazio sozinho: “Em qual cadeira devo sentar? … Esta é realmente quente — essas violas, elas têm muito calor corporal.” Descobrindo que o tocador de tímpano havia fugido com suas baquetas em vez de deixá-las para trás para a tolice de Beck, o cantor pegou uma gaita para uma interpretação solo entusiasticamente exagerada de “One Foot in the Grave”, então fez sua banda se juntar a ele para “Devil’s Haircut” e “Loser”. (Eles aparentemente tinham mais uma penúltima escolha planejada, sumariamente cancelada quando foram lembrados de um toque de recolher às 10:45.)

A maior parte do show consistiu em coisas profundamente lindas, mas essa preponderância dificilmente representava todos os movimentos do manual de Beck. E então foi revigorante encontrá-lo, no final de “Devil’s Haircut”, de joelhos, dando rajadas desenfreadas em uma guitarra elétrica que estavam em desacordo com o cuidado requintado da maioria do que havia ocorrido. Pelos padrões sinfônicos, a masturbação da guitarra era de mau gosto — o que era exatamente o que era necessário para consolidá-la no último minuto como um show de rock ‘n’ roll, depois de toda aquela beleza útil.

Datas orquestrais restantes de Beck:

10 de julho – Berkeley, Califórnia – Teatro Grego (com a Berkeley Symphony)
23 de julho – Lenox, Massachusetts em Tanglewood (com a Boston Pops Orchestra)
25 de julho – Filadélfia, Pensilvânia no Mann Center (com a Orquestra da Filadélfia)
27 de julho – Vienna, Virginia em Wolftrap (com a National Symphony Orchestra)
29 de julho – Nova York, Nova York no Perelman Stage no Carnegie Hall (com a Orquestra de St. Luke’s)

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